Il direttore artistico giapponese Yuni Yoshida ha creato una serie surrealista in cui le collezioni di cibo sembrano essere state pixelate manualmente.
Questa divisione in pixel non è per mascherare l’identità degli alimenti, né per dividerle in particelle colorate per una corretta visualizzazione o memorizzazione in formato digitale. Invece, la sperimentazione organico-cromatica di Yoshida prende spunto dalle forme peculiari degli alimenti e riorganizza i loro colori in cubi, perfetti nella loro ripetitività e dimensione. Alchemy, questo è il nome che Yoshida ha pensato per il suo lavoro, vicino alle correnti surrealiste, che impiega frequentemente oggetti comuni o scenari in situazioni sovversive.
Questa serie di frutti di vetro esplora un ornamento familiare di un’altra epoca e lo reinventa in una nuova forma. Attraverso l’abile processo di fusione del vetro, l’artista rende omaggio ai produttori di frutta in vetro soffiato e ai loro collezionisti, dagli anni ’60.
L’approccio leggero e giocoso alla frutta di tutti i giorni si contrappone alla pesantezza del cristallo, un materiale unico che cattura e riflette la luce sulle superfici circostanti. Gli oggetti sono destinati a provocare i sensi e occupare uno spazio dove il tempo può essere più gentile con loro. Ogni frutto viene fuso in cristallo utilizzando un processo della cera persa che comporta la cessione della forma da strati di plastica fragile e silice.
Glass fruit è disponibile esclusivamente tramite TCH Store in vari colori.Una nuova classe di oggetti da collezione.
I supermercati sono essenziali, soprattutto in questo periodo di pandemia ma musei e gallerie?
Non così tanto a quanto sembra. Proprio questa linea di ragionamento di blocco è stata il punto di partenza per la nuova installazione Supermarket del Design Museum, che vede il negozio di souvenir del museo londinese trasformarsi in una cornucopia di delizie essenziali.
Aperto dal 21 al 25 aprile, Supermarket alimenterà la creatività offrendo una gamma di generi alimentari in edizione limitata, mentre il museo stesso dovrà rimanere chiuso almeno fino al 17 maggio. L’installazione è stata finanziata da Bombay Sapphire e progettata dall’artista multidisciplinare Camille Walala, il cui lavoro recente include murales su larga scala a Leyton, Canary Wharf e White City. Il suo stile audace, ispirato a Memphis, rinvigorisce il negozio con tonalità luminose e forme grafiche, che fanno da sfondo gioioso a una gamma di prodotti disegnati da artisti.
“Charlotte Edey, Kentaro Okawara e Joey Yu sono tra i 10 artisti che hanno reinventato i nostri prodotti essenziali preferiti con un nuovo packaging: dal rotolo di carta igienica alla pasta al tè; dai fagioli al detersivo per piatti e al gin”.
Questi elementi essenziali in edizione limitata saranno disponibili a prezzi giornalieri (i rotoli di carta igienica di Michaela Yearwood-Dan costeranno solo 50 penny) e tutti i proventi andranno all’Emerging Artists Access Fund del Design Museum, un’iniziativa che garantisce ai giovani artisti e designer l’accesso gratuito al museo.
Dopo che il settore culturale del Regno Unito è stato afflitto da un anno di chiusure cicliche, Supermarket rappresenta una resa dei conti con il ruolo che la creatività gioca nelle nostre vite.
Si prega di notare che il negozio di High Street sarà aperto fino a domenica 25 aprile e
“Questa installazione è un’opportunità per pensare a ciò che compriamo, a chi ci guadagna e a ciò che consideriamo essenziale”, spiega Tim Marlow, direttore del Design Museum. “Non vediamo l’ora di accogliere i visitatori nel nostro museo.”
“Siamo estremamente grati a tutti coloro che hanno sostenuto il museo finora acquistando queste opere d’arte di tutti i giorni online e nell’installazione del negozio SUPERMARKET. Il negozio online ha ora temporaneamente esaurito gli articoli essenziali, ma a breve offriremo stampe in edizione limitata di gli artisti in modo che tu possa ancora goderti la loro creatività e supportare artisti e designer emergenti. Stiamo ancora rifornendo gli scaffali nel nostro SUPERMERCATO, ma le scorte sono estremamente limitate, quindi per garantire che il maggior numero di persone possibile possa godere dell’installazione, limitiamo gli acquisti a due articoli (sebbene tu possa acquistare tanta frutta fresca, verdura e pane come desidera!). Non vediamo l’ora di darvi il benvenuto. ” Josephine Chanter, Direttore del pubblico #CreativityIsEssential
Il supermercato è in mostra al Design Museum fino al 25 aprile, chiuso da lunedì 26 aprile fino alla riapertura del museo martedì 18 maggio..
Il fotografo Philip Karlberg ha omaggiato l’artista svedese Olle Bærtling. con dei coloratissimi scatti. Protagoniste, nature morte dai vivaci accostamenti cromatici
Olle Bærtling nasce in Svezia, ad Halmstad, il 6 dicembre 1911 e vive a Stoccolma fino al 1928. Inizia come artista dilettante, ispirandosi a Matisse e Van Gogh, per poi andare a Parigi nel 1948 dove diventa la pupilla di Andrè Lhote e Fernand Léger. Nel 1947 si sposta in Inghilterra dove dà vita a moltissimi bozzetti di città astratte e nel 1949 espone alla Samlaren Gallery di Stoccolma. Da questo momento Olle Bærtling crea esclusivamente lavori astratti fino a circa il 1950. Le similitudini tra le opere di Bærtling e la Op art includono contrasti simultanei e “after-images”. I suoi successivi contatti con Auguste Herbin and Victor Vasarely sono per lui di grandissima importanza. Conosciuto come “il creatore della forma aperta” dal 1954 egli sviluppa un forte e dinamico metodo di lavoro con aree pulite racchiuse da linee diagonali nere; tutte le aree vengono estese ai confini della pittura e sembrano continuare nello spazio (ad esempio Iru del 1958; Stockholm, Mod. Mus.). Nelle sue sculture le diagonali nere vengono trasformate in sottili asticelle che dialogano con lo spazio e il volume (vedasi YZE del 1978; Lidingö, Millesgården). Olle Bærtling collabora inoltre con grandi architetti come David Helldén (1905–90) e il suo linguaggio pittorico così concreto e la sua modalità di colore vengono poi ben applicati nei palazzi di Helldén (come ad esempio nell’ingresso al primo Hötorgshus, Stockholm, 1959–60). Bærtling infine prende parte a numerose mostre internazionali e tiene la sua prima personale da Lorenzelli Arte nel 1973 e prende parte ad una collettiva nel 1975.
Aliita, il nome del brand, significa “oggetto importante” in Wayuu, lingua della popolazione nativa di Guajiros che vive nella stessa regione del Venezuela dove è cresciuta Cynthia Vilchez Castiglioni, fondatrice del marchio.
Aliita, l’anagramma di Italia, propone gioielli made in Italy con un’interessante selezione di pietre e tagli naturali. È un concetto di stile di vita rilassato e bellezza senza tempo.
Consapevole dell’impatto delle proprie produzioni e attività sull’ambiente, sin dall’inizio del proprio percorso, Aliita si è impegnata ad adottare un approccio responsabile che si riflette in una profonda sensibilità e consapevolezza rispetto alle problematiche ambientali e sociali.
La collezione Fruta Fresca è colorata, essenziale, e molto elegante nella semplicità delle forme e dei materiali usati
Possiamo trovare delicati ciondoli in oro a forma di carotine o altri più colorati e divertenti a forma di avogado, cavolfiore o limoni.
“Per dimostrare alle persone che essere creativi in cucina può essere deliziosamente facile, abbiamo creato la serie IKEA Cook This Page Parchment Paper Recipe. Durante l’evento IKEA, i manifesti di ricette stampati su carta da forno sono stati collocati nei negozi IKEA di tutto il Canada. La gente potrebbe portarli a casa, riempire gli spazi vuoti, arrotolarli, cucinarli e mangiarli! I bianchi degli ingredienti misurati aiutavano le persone a determinare quanta salsa, sale o condimento aggiungere. Ogni ricetta incorporava cibo e articoli da cucina IKEA.”
Concept:Riunire le persone insieme, con hamburger e design.
INTUIZIONE
“Mcdonald’s è universale. 35.000 sedi in 118 paesi, con più di 65 milioni di clienti al giorno. Eccellere su tale scala astronomica pone la sfida altrettanto considerevole di mantenere la coerenza del marchio, restare attraenti per i clienti che rappresentano praticamente ogni demografica immaginabile. Quando ci è stato chiesto di creare manifesti per le nuove sedi di Mcdonald’s a Dubai, abbiamo tratto l’ispirazione da uno dei nostri progetti che era diventato virale su scala globale nel 2013”.
IDEA
“Avvicinandoci al progetto, abbiamo abbracciato l’incredibile internazionalismo di Dubai come un’opportunità di design. La città di 2,5 milioni di persone è un importante centro internazionale, così abbiamo creato manifesti che trascendono la cultura e facciano pensare a casa, non importa dove si trova casa. Ispirati dal successo del nostro progetto #Pantonepairings, abbiamo suddiviso tre iconici panini Mcdonald’s in campioni di ingredienti. Un marchio universale merita un’attrattività universale”.
KUFidea è un metodo di generare di idee e la spina dorsale di KUFstudios.Il metodo è semplice – basta fare un modello al un giorno, di quello che si trova interessante e vedere dove ti porta.Ogni categoria KUFstudios ha radici in KUFidea.La fondatrice della KUFstudios, Kia Utzon-Frank,sintetizza l’attitudine progettuale in oggetti dalla forte complessità strutturale, con un elevato coefficiente visual. Non solo complementi d’arredo e accessori ma anche dolci, portati al confine tra pasticceria e industrial design.
KUFcakes sono torte di lusso su misura, progettate in stretta collaborazione con il cliente.Utilizzando una stampante 3D è possibile stampare disegni e immagini su marzapane e fondente e coprire le torte per fare sculture commestibili che si adattano al loro ambiente.Il gusto è importante quanto il look, e le torte dovrebbero essere antipasti per la conversazione e innescare curiosità e interazione con l’altro.
Oro, granito e marmo con un cuore fondente, sono piccole opere d’arte da mangiare al cucchiaio. Sono sculture a forma di cubo, cono o sfera, fatte di marzapane, pan di spagna e farcite con ganache di cioccolato dalle molteplici sfumature cromatiche.
‘Ho trovato una stampante in grado di incidere sul marzapane ad altissima qualità per cui posso riprodurre qualsiasi grafica, pattern o texture con cui decorare le torte’
dice la designer, diplomatasi nel 2012 presso il Royal College of Art
‘per i colori ho usato tinte naturali estratte dalla frutta. Ma è stato veramente difficile ottenere tutte le sfumature che vedete nella versione definitiva’.
A Mies van der Roe Dip, un cocktail Odile Decquiri e Florence Knoll Rolls sono tra le ricette di un libro di ricette dell’artista newyorkese Esther Choi. Il libro di Choi, Le Corbuffet, che prende il nome dall’architetto del XX secolo Le Corbusier comprende 60 piatti e bevande influenzati da famosi architetti, designer e artisti. Accanto alle ricette dedicate agli architetti Mies van der Rohe e Odile Decq, e al designer Florence Knoll, ci sono prodotti da forno che prendono il nome da Denise Scott Brown, una crème brûlée dedicata a Rem Koolhaas, e contorni coreani per Shigeru Ban.
Ogni ricetta è accompagnata da un testo che descrive l’artista o designer in primo piano e una spiegazione circa l’ispirazione dietro gli ingredienti.Choi li descrive come “strutture commestibili”.
Rem Brûlée
L’architetto postmoderno Denise Scott Brown ha lo stesso nome dei brownies; il László Macaroni-Nagy immagina il professor László Moholy-Nagy, affamato di pasta al formaggio; il Bannani Albers-babka è un dolce pane ebreo con una forma contorta destinata a ricordare la tessitura inventata dall’artista del tessuto Anni Albers.
Altre attrazioni includono l’insalata di Frida Kale-o, la carota di Mario Bota e i cocktail di Lina Bo Bacardi. La semplicità dei Florence Knoll Rolls si basa su “ideali modernisti”, un set di contorni coreani prendono il nome dall’architetto giapponese Shigeru Ban, mentre il Decquiri Odile è un’ode all’amore dell’architetto francese radicale per il nero.
Denise Scott Brown
Il libro è stato progettato dall’agenzia di grafica Studio Lin e pubblicato da Prestel. Costituisce un insieme di “piatti assurdi e ispirati al gioco di parole” che Choi iniziò a creare nel 2015 – dopo aver trovato un menu stravagante che Moholy-Nagy aveva creato per il fondatore del Bauhaus Walter Gropius nel 1937.
“Mi ha spinto a riconsiderare le narrazioni storiche spesso acritiche attribuite a Gropius, complicato dal suo duplice status di icona culturale durante la sua vita, e di immigrato tedesco in Inghilterra e Stati Uniti durante un periodo di intensa xenofobia”.
The Odile Decquiri
Choi ha iniziato ad ospitare “Le Corbuffets” nel suo appartamento a Brooklyn nel 2015 e ha continuato gli eventi fino al 2017.
Il Lina Bo Bacardi Cocktail prende spunto dalla modernista Glass House di Bo Bardi
“Ispirato dal menu per la cena di Gropius e dalle domande che sollevava sull’elitarismo e la valutazione della produzione culturale, ho deciso di condurre un esperimento sociale offrendo i pasti ad un assortimento di ospiti. Questi incontri sociali ruotavano intorno al consumo di assurdi, piatti che si ispiravano ad artisti e designer canonici”.
Lina Bo Bacardi Cocktail
Mentre Le Corbuffet è un gioco di parole, Choi intende che anche il libro funzioni come un pezzo d’arte che suscita una domanda sul modo in cui vengono consumati i prodotti di arte e design.
“Come commento sullo stato dell’arte, del cibo e del design come merci da ‘divorare’ dal mercato, il progetto deliberatamente contorto idiomi per sondare la nozione di ‘consumo estetico’ attraverso il gusto e la percezione. Ho voluto esplorare come rivisitando grandi figure, opere, e le loro narrazioni, potremmo rifondare e impegnarci con eredità storiche per ottenere risultati nuovi e diversi.”
Giro volentieri questo invito che mi è stato inviato a tutti gli interessati
“La cena dell’11 maggio 2017 presso l’Istituto Mantegna di Brescia nasce da un’indagine meticolosa sul rapporto tra cibo e suono. I rumori che scaturiscono dalla preparazione di un piatto, persino quelli più tenui, continuano ad avere una vita propria sulla tavola imbandita, forse solo nella nostra mente.”
“Tutto è temporaneo, da metabolizzare, entra in noi, scompare, ci nutre e cambia. Il gusto è l’unico senso che non abbia “registratori”? Forse siamo noi i suoi registratori.”
Un progetto nato dalla collaborazione fra gli chef Roberto Antonelli, Biagio Giannetti, Gilberto Mattei per l’istituto Andrea Mantegna di Brescia e gli artisti Mauro Cossu e Francesca Conchieri.
IL MENU’ Antipasto Frisella con pomodorino, tonno in tataki e gelato di cipolla rossa Primo piatto Orzotto ai funghi porcini, vongole veraci e pesto di prezzemolo Secondo piatto Moscardini in umido con olive taggiasche, macedonia di verdure al vapore aromatizzate all’olio del Garda Dessert Souffle’ ghiacciato al limone
Dalle 19,30 alle 22,00 presso Ist. albreghiero A. Mantegna. Costo € 25.
L’ESPOSIZIONE
Presso Centro 3T dal 14 al 28 maggio 2017 su appuntamento scrivendo a centro3t@gmail.com o telefonando al 338.3853762. Ingresso gratuito.
![Creativity Is Essential At The Design Museum’s Latest Installation [DRAFT]](https://trendland.com/wp-content/uploads/2021/04/london-design-museum-installation-3.jpeg "london design museum installation 3")
![Creativity Is Essential At The Design Museum’s Latest Installation [DRAFT]](https://trendland.com/wp-content/uploads/2021/04/london-design-museum-installation-2.jpeg "london design museum installation 2")
![Creativity Is Essential At The Design Museum’s Latest Installation [DRAFT]](https://trendland.com/wp-content/uploads/2021/04/london-design-museum-installation-7.jpeg "london design museum installation 7")
![Creativity Is Essential At The Design Museum’s Latest Installation [DRAFT]](https://trendland.com/wp-content/uploads/2021/04/london-design-museum-installation-4.jpeg)
![Creativity Is Essential At The Design Museum’s Latest Installation [DRAFT]](https://trendland.com/wp-content/uploads/2021/04/london-design-museum-installation-5.jpeg)
![Creativity Is Essential At The Design Museum’s Latest Installation [DRAFT]](https://trendland.com/wp-content/uploads/2021/04/london-design-museum-installation-6.jpeg "london design museum installation 6")
CIBO ARCHITETTURA 