Ichi Station Sushi Bar a Milano

Progettato dal direttore creativo Ana Hern per Masquespacio, l’ultimo outlet della catena di sushi bar Ichi Station si trova in un edificio storico di via Solferino a Milano. Il ristorante, di soli 80 metri quadrati, ha un’atmosfera un po’ futuristica con i suoi passaggi ad arco e le superfici lucide, il grande cerchio arancione, che occupa quasi per intero una parete del locale (che ricorda un po’ il paese del Sol Levante, un po’ il colore del salmone), come un interno di una navicella spaziale, in cui dominanti sono le tonalità del pesca e del beige.

A completare l’atmosfera da “Space Shuttle” ci sono tavoli luminosi personalizzati e sottili strisce che accentuano i bordi degli archi preesistenti nello spazio e creano disegni attorno al soffitto. Con questo sorprendente design, il progettista cerca di trasportare i commensali non solo attraverso esperienze culinarie, ma anche attraverso il tempo e lo spazio.

Ichi Station si descrive come un luogo che nasce come crocevia di culture, scoperta e condivisione. Una partenza e un arrivo e un viaggio dei sensi che fonde la tradizione giapponese con ispirazioni provenienti da paesi di tutto il mondo. L’offerta gastronomica è stata creata dal maestro chef giapponese Haruo Ichikawa, in precedenza era chef di Iyo, stella Michelin di Milano.

Masquespacio è stata fondata nel 2010 da Ana Milena Herndez Palacios e Chistophe Penasse. Il loro studio lavora a livello globale in tutti gli aspetti del design, dagli spazi commerciali al design del prodotto. Una caratteristica tipica del loro lavoro è il loro uso audace del colore.

PNY

Dall’apertura del primo indirizzo parigino in rue du Faubourg Saint-Denis un decennio fa, PNY è diventata la catena di hamburger più trendy della Francia grazie alla qualità delle sue offerte – brioche appena sfornata, carne macinata squsita, erbe fini e cheddar stagionato- così come il design avvincente dei suoi ristoranti che reinventano il concetto di american diner attraverso una lente creativa di sofisticato retrò.

A differenza di altre catene, ogni location vanta una propria sede progettata su misura che trae ispirazione da un aspetto diverso della cultura americana, prendendo spunto dall’universo cinematografico di autori d’atmosfera come Wes Anderson e Wong Kar Wai.

PNY Grenette a Grenoble per esempio è un inno all’età d’oro dell’aviazione,

PNY Chartrons a Bordeaux rende omaggio all’età dello spazio,

PNY Grand’Rue a Strasburgo evoca alcune moderne vibrazioni anni ’50

Le luci al neon ondulate PNY Presqu’île di Lione sotto i piani in vetro fumé evocano un’estetica inconfondibile anni ’80, così come l’iconico Ultrafragola Mirrors di Ettore Sottsass,

mentre i giocosi pop di colore in PNY Carreau du Temple di Parigi richiamano l’Art Deco di Miami South Beach.

Ästad Vingård winery

Trasformare il ristorante stellato Äng in una serra minimalista è l’ultimo sviluppo della cantina Ästad Vingård nel sud-ovest della Svezia i cui proprietari, i fratelli Carlsson, sempre all’avanguardia e continuano a fare tendenza con le loro idee. In Svezia, nonostante il clima non proprio mediterraneo, ci sono più di 40 cantine e con i suoi 12,5 ettari di vigneti, Ästad è una delle più grandi, anche se vende i suoi vini solo in loco, al momento, principalmente perché il Systembolaget, ente di proprietà statale, detiene il monopolio della vendita di alcolici del paese. Daniel Carlsson e i suoi soci, Linda Persson e Mattias Glamheden, tutti con le loro famiglie, sono la terza generazione di Carlssons in una fattoria nata come tradizionale trasformatasi nel corso delle generazioni, dapprima in una fattoria da latte biologico e dal 2009, parte della tenuta è stato trasformata in una cantina biologica con spa e ristorante.

Al primo nucleo del ristorante Äng è stato un’aggiunto a un bistrot sperimentale di alto livello in loco.

Nel 2021 Äng (svedese per prato o campo) aveva guadagnato la sua prima stella Michelin e stava iniziando ad attirare l’attenzione. Quindi, come naturale progressione del continuo sviluppo della tenuta, Daniel Carlsson ha ritenuto che fosse giunto il momento di dare al ristorante un posto che si adattasse al conto. Il ristorante offre un menu degustazione di 17 portate che varia in base a ciò che è disponibile localmente, in parte nella tenuta e in base alla stagione. E tutto è, ovviamente, abbinato ai vini della tenuta, attualmente prevalentemente spumanti e vini bianchi da uva Solaris.

La visione e il design di Daniel per la nuova casa di Äng si concentra sui punti di vista, motivo per cui una serra a più livelli è, in un certo senso, una soluzione ovvia, anche se insolita. Il piano terra della modesta serra comprende un bar, un salone e una piccola cucina. Il piano interrato comprende una cantina senza finestre, un altro salone e una grande sala da pranzo con luce naturale. Il livello inferiore è costruito nella collina in pendenza e si apre alla vista espansiva dello stagno, laghi e boschi di faggio della riserva naturale Åkulla in Halland.

Ulteriori punti di tendenza sono dati per i mobili che Daniel ha scelto di utilizzare per il progetto. È stato inizialmente attratto dal minimalismo della sedia da pranzo N-DCo1 del produttore giapponese di mobili in legno Karimoku che fa parte della serie Case Studies della società ed è stata progettata da Norm Architects con sede a Copenaghen insieme allo Studio Keiji con sede a Tokyo.

Questo contatto iniziale ha portato tutte le parti coinvolte a collaborare e creare nuovi pezzi potenzialmente permanenti per la collezione Case Study. Alla fine, Norm ha finito per gestire l’intero allestimento interno del progetto con Daniel Carlsson. Hanno adattato la tavolozza dei materiali, le proporzioni e i toni di diversi pezzi di Case Study esistenti.

Tra questi, la sedia club N-CCo1 di Norm, che si è trasformata in una seduta d’amore per la cantina lounge, mentre il divano a due posti A-So1 è stato ridimensionato e il tavolo N-STo2 è aumentato di dimensioni per diventare un tavolo da pranzo. Nuovi elementi per il progetto includono un carrello di servizio e un tavolino.

Mi Pan Bakery: il design del pane

Per quattro decenni, Mi Pan è stato un panificio destinato a per tutti, Nel decidere di affrontare un rinnovamento del marchio e del locale era importante che l’atmosfera rimanesse la stessa, senza troppi scossoni. Un “panificio di tutti”, non può apparire troppo snob o pretenzioso, “troppo progettato”, poiché il pane è parte integrante di molte tradizioni e celebrazioni messicane. Era dunque importante puntare ad un aspetto di continuità con la tradizione, senza però rinunciare a quel un tocco di rinnovamento e di freschezza del marchio che fa si che questo lavoro diventi interessante.

Proprio per venire incontro alle esigenze del brand, i progettisti di Concentrico, studio di collaborazione interdisciplinare di architetti e design, in Mi Pan Bakery, hanno creato un progetto con un design “tranquillizzante”, non troppo moderno o troppo funky (che potrebbe allontanare le persone e intimidire i clienti amanti della tradizione), poichè pochi sono abituati all’idea di un panificio di design.

Per capire il legame del progetto con il passato vicino e lontano del Messico, i designer di Concentrico non solo hanno analizzato la storia del marchio, ma anche le tradizioni visive e pratiche e i costumi delle pasticcerie messicane in generale. Di conseguenza, la promessa del panificio “Siempre bueno Masa a migaja” – sempre buono dalla pasta alla mollica – rimane invariata ed è anche molto visibile sulla parete posteriore del negozio. I grembiuli del personale portano il messaggio “Prueba el Pan de Verdad” – Prova il pane reale.

L’atmosfera generale della panetteria è aperta e pulita, calda e invitante, ma non è accogliente o familiare. C’è un senso di produzione su larga scala, con vassoi metallici, file di scaffalature e grandi display. Ci sono poche barriere visive o fisiche tra clienti e fornai e il ritmo della produzione attiva di un panificio è apertamente visibile a tutti. All’uscita, i clienti incontreranno un’esposizione dei tradizionali pani celebrativi, Rosca de Reyes e Pan de Muertos.

• “Rosca de Reyes” (corona dei re) è una tradizionale corona di pane messicana celebrativa mangiata con la famiglia e gli amici su “Dia de Reyes” il 6 gennaio (giorno dell’Epifania o giorno dei re). Una piccola statuetta di plastica è posta all’interno della corona che simboleggia Gesù bambino. La persona che trova la figurina dovrebbe lanciare una festa e servire tamales per tutti su” Dia de la Candelaria” il 2 febbraio.

• “Pan de Muertos” (pane dei morti) è una parte essenziale di un “Dia de Los Muertos” (celebrato in ottobre o novembre) casa santuario o Ofrenda. Lo scopo del pane è quello di nutrire i morti che visitano la terra dei vivi in quel giorno (il film Coco racconta molto bene delle tradizioni legate a questo giorno).

Torcuato, ristorante a Madrid

Situato nel cuore del “Miglio d’Oro” di Madrid, una zona commerciale di lusso, fatta di viali alberati e dimore storiche, il ristorante Torcuato ha aperto le sue porte nel 2021; oltre alla sua posizione di primo piano, Torcuato vanta interni caleidoscopici che mescolano giocosamente stili ed epoche con brio, per gentile concessione dell’interior designer Pepe Leal, piatti pittorici che fondono ingegnosamente sapori e cucine, creati dall’acclamato chef Sergio Fernández, oltre a una delle più belle terrazze gastronomiche della città. Sia Leal che Fernández hanno una reputazione di eclettismo audace, quindi il loro è un abbinamento perfetto per un ristorante concepito dal gruppo di ospitalità alla moda La Fábrica, come un meraviglioso viaggio nel tempo e in tutto il mondo. Dall’opulento salone di Maria Antonietta e l’Art Deco del Grande Gatsby, fino ai tropici evocati nell’estetica classica e moderna di Leal, completata dalle note giapponesi, mediterranee e messicane della cucina fusion di Fernández. I clienti di Torcuato sono pronti per una stravaganza sensoriale.

il grande lampadario

Il ristorante prende il nome da Torcuato Luca de Tena, un giornalista del XIX secolo che fondò la rivista d’arte e letteraria Blanco y Negro e il quotidiano nazionale ABC, entrambi ospitati qui fino al 1989. Leal ha tratto ispirazione dai lunghi viaggi di Luca de Tena in giro per il mondo, progettando una serie di spazi distinti che combinano stravagantemente diverse epoche e origini. L’approccio eclettico di Leal riecheggia anche l’eccentricità dell’edificio storico – costruito in stile neo-Mudéjar. Il palazzo combina revival moresco, neo-rinascimentale e elementi architettonici andalusi tradizionali.

“Alla fine del XIX secolo era molto di moda mescolare stili diversi”,

spiega Leal, un approccio che fa anche parte della sua filosofia progettuale. Abbinati alla maestria del designer nel colore, all’energia gioiosa, all’umorismo e all’attenzione per i dettagli, gli interni di Torcuato abbagliano e deliziano in egual misura.

Due imponenti sale e una terrazza panoramica offrono tre esperienze culinarie molto distinte. Caratterizzato da alte finestre ad arco, superfici dipinte di bianco e modanature floreali decorative, il primo è luminoso e arioso. Le cabine da pranzo gialle semicircolari abbinate alle iconiche sedie e tavoli Tulip di Eero Saarinen infondono agli interni classici vibrazioni di metà secolo, mentre un’installazione di piante e fiori esposta in una parete a specchio piena di vasi di vetro, I bicchieri e le fiaschette aggiungono vivaci accenti di colore, così come le illustrazioni botaniche vintage che Leal ha sfacciatamente attaccato alle pareti.

la sala ventesimo secolo

Nella seconda sala da pranzo, Leal incanala la corte reale di Maria Antonietta, vivacizzando lo spazio riccamente decorato con tonalità rosa pastello, specchi dalle forme giocose e un lampadario minimalista su misura ad anello che Leal ha avvolto in un filtro dicroico.

Citando Maria Antonietta

Un’area bar separata, modellata sul palazzo immaginario del grande Gatsby è intrisa di vibrazioni più maschili in un ambiente che fonde assieme elementi Art Deco e Neo-rinascimentali con una tavolozza di colori scuri e luci al neon.

atmosfere Liberty

e Neo – Rinascimentali

Espandendosi in tutti e tre gli spazi, i pavimenti di ispirazione moresca arricchiscono ulteriormente gli interni caleidoscopici fornendo continuità.

Dotata di viste panoramiche sulla città e ricca di vegetazione lussureggiante, la terrazza sul tetto del ristorante è reinventata come una fuga esotica dove murales contemporanei colorati di fiori di grandi dimensioni riecheggiano i motivi floreali delle facciate di mattoni rossi e piastrelle dell’edificio, mentre i tralicci metallici ad arco e i gruppi scultorei di baldacchini a forma di disco costituiscono un ambiente gioviale in stile Alice nel paese delle meraviglie.

Come Alice nel Paese delle Meraviglie

Abu Gosh cafè

Ospitato in una piccola casa da favola a Mosca, il secondo avamposto del caffè israeliano Abu Gosh rifugge i cliché stilistici del Medio Oriente per un’estetica funky dai colori audaci e dalle fantasie geometriche giocose. Lo studio russo di architettura e design STUDIO SHOO – responsabile anche dell’interior design della sede gemella del caffè – hanno incanalato lo spirito esuberante di Israele attraverso un linguaggio grafico di astrazione geometrica e tinte vibranti, preservando l’eccentricità dell’edificio storico.

Entrando attraverso un corridoio blu notte, gli ospiti vengono trasportati in un ambiente divertente e divertente caratterizzato dalle piastrelle rifinite a mano dalla designer italiana Elisa Passino. Caratterizzato da una tavolozza di colori vivaci di rosa, ciano e blu cobalto, e da un semplice motivo ad arco, il loro design è ripreso in tutto l’interno, dalle sedie rosa al neon e fontana d’acqua vintage dipinta di blu, alle porte ad arco, nicchie e scaffali. Uno sfondo attenuato attraverso le pareti bianche e il soffitto rende gli accenti di colore, che includono anche schizzi di giallo, ancora più vibrante.

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Centrata su un tavolo comune, la zona pranzo al piano terra comprende una varietà di opzioni di posti a sedere, dai tavoli, ai banconi agli angoli finestra, che rendono lo spazio compatto sentire spaziosa e rilassata con la cucina aperta aggiungendo l’atmosfera vivace.

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Colorato e rilassato, il salone del primo piano è stato progettato per momenti più intimi, ma può anche ospitare vari incontri, conferenze ed eventi grazie all’allestimento ad anfiteatro. In mezzo allo spazio, un tavolo rotondo color ciliegio è costruito intorno a un buco nel pavimento – una cavità esistente che una volta faceva parte di un camino. Piuttosto che riempirlo, il designer ha approfittato di questa caratteristica ridondante per collegare i due livelli progettando un lampadario a due pezzi che sono appesi alle capriate del tetto. Concepito come un groviglio di tubi blu, il lampadario stravagante non solo racchiude lo spirito amante del divertimento del caffè, ma attesta inoltre la sensibilità creativa di STUDIO SHOO.

Face Food quando gli chef diventano soggetti d’arte

A partire da venerdì 5 agosto e sino al 5 settembre, a Palazzo Beltrani è visitabile la mostra “Facefood, la Puglia rinasce – diario di un viaggio alla ricerca del buon gusto” nella splendida Corte Davide Santorsola.

Il 10 agosto, alle 18.30, si svolgerà la presentazione alla stampa del libro di Vittorio Cavaliere, Franz Gustrincich e Claudio Auriemma che dà il nome alla mostra.

Facefood è l’idea di mostrare che dietro al buon cibo ci sono grandi persone che lo hanno   coltivato, trasformato e soprattutto cucinato. Una esposizione di 49 fotografie di grande formato, con testi esplicativi. Un viaggio tra alcuni dei personaggi che tengono alto il vessillo dell’enogastronomia pugliese, fotografati da Franz Gustincich e Claudio Auriemma, e raccontati da Vittorio Cavaliere.

Una galleria di ritratti, assolutamente parziale, ma rappresentativa dell’eccellenza che la Puglia ha saputo imporre nel mondo.

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Tra questi alcuni protagonisti di ristoranti stellati Michelin come i fratelli Sgarra di Casa Sgarra- Trani(BT), Antonello Magistà de Il Pashà (Conversano), Angelo Sabatelli (Putignano), oppure il maestro panificatore e ambasciatore del gusto Pascal Barbato, i Fratelli Matarrese di Matarrese Impianti, Vitantonio Rozzo del Caseificio Coratino, i fratelli Gentile, i volti del ristorante Cibus di Ceglie Messapica, lo chef Leonardo Vescera e tanti altri.

Facefood, patrocinata dall’assessorato alle culture della città di Trani in collaborazione con L’Associazione Delle Arti, è un’opera tangibile grazie alla generosità degli sponsor – primo fra i quali il gruppo Megamark -, all’ospitalità del Palazzo delle Arti Beltrani, e al lavoro di tante persone oltre agli   autori, che hanno reso possibile il materializzarsi dell’evento.

Anche un libro a raccontare questo straordinario percorso intimo e conoscitivo dell’eccellenza enogastronomica pugliese: “FACEfood, la Puglia rinasce – diario di un viaggio alla ricerca del buon gusto”, edito da Besa editrice, Nardò.

Questa iniziativa, promossa dall’associazione Tummà, ha preso forma sulle esperienze di Vittorio Cavaliere, talent scout, critico gastronomico e profondo conoscitore del mondo del gusto, descritte come in un percorso da nord a sud, alla ricerca delle eccellenze enogastronomiche. Il percorso di Cavaliere è stato fotografato da Franz Gustincich e Claudio Auriemma, dell’agenzia di marketing visivo F&Co, specializzata in enogastronomia.

«Una ghiotta occasione per testimoniare la straordinaria vitalità della ristorazione pugliese e di coloro che i prodotti del territorio, eticamente, li rendono un vanto nazionale» ha dichiarato Vittorio Cavaliere mentre Claudio Auriemma ha ricordato che: «Questo viaggio è atipico, per noi che siamo abituati a fotografare e rendere appetitosi i prodotti, perché lo abbiamo centrato sui ritratti di chi di questi prodotti ne fa arte».

«Il nostro lavoro è trasformare in immagini gli aromi e i sapori, e raccontare il buon cibo – ha aggiunto Franz Gustincich – ma per questa volta abbiamo voluto narrare gli autori della gastronomia e dei sapori pugliesi, coloro che sono dietro al successo enogastronomico della regione».

CINNAMON restaurant

Situato a Ballsbridge, un ricco quartiere di Dublino pieno di viali alberati e bellissime tenute vittoriane in mattoni rossi, il ristorante Cinnamon, recentemente inaugurato, è il terzo avamposto della città dell’omonimo marchio. Il progetto, dello studio di interior design Kingston Lafferty Design (KLD) di Dublino, ha sfruttato al massimo il piccolo ingombro della struttura per creare un ambiente multifunzionale e coinvolgente che abbaglia i clienti con il suo carattere estroso. Un’estetica giocosa e femminile, fatta di colori pastello, texture lucide e forme sinuose, è completata da una serie di elementi di grandi dimensioni per creare uno spazio conviviale, simile a una casa delle bambole che affascina e energizza.

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L’aspetto più impegnativo che KLD ha dovuto affrontare nel trasformare un guscio vuoto, uno spazio compatto, in un ristorante è stato l’obbligo di incorporare una cucina senza sacrificare troppo spazio commerciale. La soluzione dei progettisti era quella di costruire un piano rialzato nella parte posteriore più intimo e silenzioso; destinando la parte anteriore, a tutta altezza, all’accoglienza e alla convivialità. Mentre la parte anteriore è inondata di luce naturale, grazie alle vetrate della facciata dal pavimento al soffitto e allo specchio, da parete a parete, che riveste il piano rialzato – un gesto audace che mimetizza completamente la cucina – la parte posteriore immerge i clienti in un rifugio giocoso.

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Approfittando dello spazio d’ingresso a doppia altezza, KLD ha cercato di enfatizzarne la scala e la verticalità progettando uno sfondo sovradimensionato per il bancone del bar, al fine di “offrire al visitatore un effetto casa delle bambole”.

Per raggiungere questo obiettivo, tutte le attrezzature e gli impianti sono stati progettati su misura per far sentire i visitatori come se avessero fatto un passo attraverso lo specchio in una sorta di paesaggio onirico, come in un Alice nel paese delle meraviglie.-

“Volevamo creare uno spazio spensierato e infantile con un elemento di evasione”, spiegano i designer. “Dai giocosi lampadari che sembrano lecca-lecca oversize, ai rivestimenti murali, ai piani arrotondati e alle sedute da incasso, ogni elemento è stato meticolosamente progettato come parte di una composizione grafica di forme sinuose e motivi geometrici.”

Il design sinuoso e giocoso degli arredi su misura di KLD è completato da un’estetica di colore che comprende il rosa, il pistacchio e il baby blue pastello e tonalità marrone scuro, viola e verde acqua, che prendono spunto dai colori esistenti del marchio. Volutamente mantenuta semplice e ripetitiva per collegare visivamente l’intero spazio, la palette cromatica si arricchisce di texture seducenti, dalle pelli morbide, alle piastrelle scintillanti e alle superfici laccate lucide, che esaltano ulteriormente l’atmosfera onirica, come un’abbondanza di specchi rotondi che adornano le pareti.

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Puro Hotel and ristorant

Il marchio alberghiero polacco PURO Hotels è noto per il suo approccio progettuale, che intreccia passato e presente filtrando la storia e la cultura di ogni location, attraverso il lavoro di artisti e designer contemporanei.

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Il Centro Storico di Cracovia, recentemente rinnovato non fa eccezione, accogliendo viaggiatori culturalmente consapevoli in interni curati che incanalano il fascino vintage dei caffè interbellici di Cracovia e del patrimonio architettonico modernista della città.

Caratterizzato da una vasta gamma di opere d’arte di una giovane generazione di artisti con stretti legami con la comunità creativa di Cracovia, l’hotel rinnovato è un vivace centro di arte e design, nonché un luogo elegante e confortevole in cui soggiornare.

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Inaugurato nel 2013, vicino al centro storico di Cracovia e a pochi passi dalla stazione ferroviaria, l’hotel è stata la prima avventura di PURO in città, mentre una seconda sede è stata aperta anni dopo nel quartiere alla moda di Kazimierz. Per la sua ristrutturazione, Paradowski Studio. ha tratto ispirazione dal patrimonio culturale della città, e in particolare dall’opulenza chic dei suoi caffè e dal modernismo di iconici monumenti dell’era sovietica. Lo Studio ha armoniosamente miscelato le più disparate fonti di ispirazione, adottando un linguaggio di design austero di linee pulite e geometrie semplici, e abbinandolo con l’artigianato contemporaneo come espresso da una ricca tavolozza di materiali come il rovere naturale, pietra, vetro e ceramiche di manifattura polacca. sono presenti inoltre un’eclettica selezione di mobili modernisti e contemporanei che vanno da marchi del patrimonio come &Tradition, Artek, Carl Hansen & Sến e Cassina, a relativi nuovi arrivati come Massproductions, Wästberg, Dirk Vander Kooij, Areti, Verpan, Bocci, Friends & Founders e Tom Dixon.

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Refettorio Gastromotiva

 

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“Un piccolo miracolo!” ha detto Massimo Bottura alla conferenza stampa del Refettorio Gastromotiva Cafeteria nel giorno della sua inaugurazione a Lapa, Rio De Janeiro.

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Non si riferiva al cibo, ma ai tempi di costruzione del progetto, i cui 450 mq sono stati costruiti in soli 55 giorni. Questa combinazione di ristorante e scuola è il risultato di una collaborazione tra Massimo Bottura, il critico gastronomico Alexandra Forbes e la ONG Gastromotiva, gestita dal celebre chef David Hertz. Insieme hanno riunito un team creativo tra cui Vik Muniz, Maneco Quinderé, i fratelli Campana e METRO, responsabili dell’architettura, dell’arte e del design di questo nuovo ambiente. La caffetteria è stata ispirata dall’iniziativa “Food For Soul” di Massimo Bottura, che mira a combattere lo spreco alimentare globale trasformando prodotti che potrebbero essere stati scartati in pasti sofisticati e nutrienti.

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Il sito scelto per il progetto – tra gli archi di Lapa e l’Aterro Do Flamingo – è stato donato dalla città e ha una grande popolazione di senzatetto che sarà ammissibile per la cena gratuita come parte del progetto, mentre il pagamento degli ospiti porta entrate durante l’ora di pranzo. Situato ai margini di una piccola piazza e adiacente a una delle principali arterie della città, il ristorante è stato progettato per rafforzare i collegamenti con questi spazi pubblici e la comunità circostante.

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La cucina occupa il centro di un sito lungo e stretto, 50 m di lunghezza e 6 m di larghezza. Un unico volume si alterna tra spazi a singola e doppia altezza e presenta ampie aperture sulla strada e sulla piazza vicina. L’edificio è rivestito con pannelli in policarbonato traslucido che garantiscono un’atmosfera accogliente e accessibile a tutti. La palette dei materiali è composta da materiali autentici e industriali che si trovano comunemente nella zona, dando vita a un’estetica onesta e senza fronzoli che celebra gli elementi e i servizi di costruzione essenziali.

In questo ambiente gli chef sono stati invitati da tutto il mondo a creare deliziosi pasti con l’eccedenza dei Giochi olimpici del 2016, offrendo nutrimento con dignità e bellezza alle persone in situazioni sociali vulnerabili.

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Location: Lapa, Rio De Janeiro, Brazil

Architetti:METRO Arquitetos

Project Team: Gustavo Cedroni, Martin Corullon, Helena Cavalheiro, Marina Ioshii, Amanda Amicis, Gabriela Santana, João Quinas, Luís Tavares, Manuela Porto, Rafael de Sousa, Renata Mori

Cliente: Gastromotiva

Area del sito: 320m2

Area costruita: 425m2

Anno: 2016

Fotografie:Ilana Bessler