Mi Pan Bakery: il design del pane

Per quattro decenni, Mi Pan è stato un panificio destinato a per tutti, Nel decidere di affrontare un rinnovamento del marchio e del locale era importante che l’atmosfera rimanesse la stessa, senza troppi scossoni. Un “panificio di tutti”, non può apparire troppo snob o pretenzioso, “troppo progettato”, poiché il pane è parte integrante di molte tradizioni e celebrazioni messicane. Era dunque importante puntare ad un aspetto di continuità con la tradizione, senza però rinunciare a quel un tocco di rinnovamento e di freschezza del marchio che fa si che questo lavoro diventi interessante.

Proprio per venire incontro alle esigenze del brand, i progettisti di Concentrico, studio di collaborazione interdisciplinare di architetti e design, in Mi Pan Bakery, hanno creato un progetto con un design “tranquillizzante”, non troppo moderno o troppo funky (che potrebbe allontanare le persone e intimidire i clienti amanti della tradizione), poichè pochi sono abituati all’idea di un panificio di design.

Per capire il legame del progetto con il passato vicino e lontano del Messico, i designer di Concentrico non solo hanno analizzato la storia del marchio, ma anche le tradizioni visive e pratiche e i costumi delle pasticcerie messicane in generale. Di conseguenza, la promessa del panificio “Siempre bueno Masa a migaja” – sempre buono dalla pasta alla mollica – rimane invariata ed è anche molto visibile sulla parete posteriore del negozio. I grembiuli del personale portano il messaggio “Prueba el Pan de Verdad” – Prova il pane reale.

L’atmosfera generale della panetteria è aperta e pulita, calda e invitante, ma non è accogliente o familiare. C’è un senso di produzione su larga scala, con vassoi metallici, file di scaffalature e grandi display. Ci sono poche barriere visive o fisiche tra clienti e fornai e il ritmo della produzione attiva di un panificio è apertamente visibile a tutti. All’uscita, i clienti incontreranno un’esposizione dei tradizionali pani celebrativi, Rosca de Reyes e Pan de Muertos.

• “Rosca de Reyes” (corona dei re) è una tradizionale corona di pane messicana celebrativa mangiata con la famiglia e gli amici su “Dia de Reyes” il 6 gennaio (giorno dell’Epifania o giorno dei re). Una piccola statuetta di plastica è posta all’interno della corona che simboleggia Gesù bambino. La persona che trova la figurina dovrebbe lanciare una festa e servire tamales per tutti su” Dia de la Candelaria” il 2 febbraio.

• “Pan de Muertos” (pane dei morti) è una parte essenziale di un “Dia de Los Muertos” (celebrato in ottobre o novembre) casa santuario o Ofrenda. Lo scopo del pane è quello di nutrire i morti che visitano la terra dei vivi in quel giorno (il film Coco racconta molto bene delle tradizioni legate a questo giorno).

Torcuato, ristorante a Madrid

Situato nel cuore del “Miglio d’Oro” di Madrid, una zona commerciale di lusso, fatta di viali alberati e dimore storiche, il ristorante Torcuato ha aperto le sue porte nel 2021; oltre alla sua posizione di primo piano, Torcuato vanta interni caleidoscopici che mescolano giocosamente stili ed epoche con brio, per gentile concessione dell’interior designer Pepe Leal, piatti pittorici che fondono ingegnosamente sapori e cucine, creati dall’acclamato chef Sergio Fernández, oltre a una delle più belle terrazze gastronomiche della città. Sia Leal che Fernández hanno una reputazione di eclettismo audace, quindi il loro è un abbinamento perfetto per un ristorante concepito dal gruppo di ospitalità alla moda La Fábrica, come un meraviglioso viaggio nel tempo e in tutto il mondo. Dall’opulento salone di Maria Antonietta e l’Art Deco del Grande Gatsby, fino ai tropici evocati nell’estetica classica e moderna di Leal, completata dalle note giapponesi, mediterranee e messicane della cucina fusion di Fernández. I clienti di Torcuato sono pronti per una stravaganza sensoriale.

il grande lampadario

Il ristorante prende il nome da Torcuato Luca de Tena, un giornalista del XIX secolo che fondò la rivista d’arte e letteraria Blanco y Negro e il quotidiano nazionale ABC, entrambi ospitati qui fino al 1989. Leal ha tratto ispirazione dai lunghi viaggi di Luca de Tena in giro per il mondo, progettando una serie di spazi distinti che combinano stravagantemente diverse epoche e origini. L’approccio eclettico di Leal riecheggia anche l’eccentricità dell’edificio storico – costruito in stile neo-Mudéjar. Il palazzo combina revival moresco, neo-rinascimentale e elementi architettonici andalusi tradizionali.

“Alla fine del XIX secolo era molto di moda mescolare stili diversi”,

spiega Leal, un approccio che fa anche parte della sua filosofia progettuale. Abbinati alla maestria del designer nel colore, all’energia gioiosa, all’umorismo e all’attenzione per i dettagli, gli interni di Torcuato abbagliano e deliziano in egual misura.

Due imponenti sale e una terrazza panoramica offrono tre esperienze culinarie molto distinte. Caratterizzato da alte finestre ad arco, superfici dipinte di bianco e modanature floreali decorative, il primo è luminoso e arioso. Le cabine da pranzo gialle semicircolari abbinate alle iconiche sedie e tavoli Tulip di Eero Saarinen infondono agli interni classici vibrazioni di metà secolo, mentre un’installazione di piante e fiori esposta in una parete a specchio piena di vasi di vetro, I bicchieri e le fiaschette aggiungono vivaci accenti di colore, così come le illustrazioni botaniche vintage che Leal ha sfacciatamente attaccato alle pareti.

la sala ventesimo secolo

Nella seconda sala da pranzo, Leal incanala la corte reale di Maria Antonietta, vivacizzando lo spazio riccamente decorato con tonalità rosa pastello, specchi dalle forme giocose e un lampadario minimalista su misura ad anello che Leal ha avvolto in un filtro dicroico.

Citando Maria Antonietta

Un’area bar separata, modellata sul palazzo immaginario del grande Gatsby è intrisa di vibrazioni più maschili in un ambiente che fonde assieme elementi Art Deco e Neo-rinascimentali con una tavolozza di colori scuri e luci al neon.

atmosfere Liberty

e Neo – Rinascimentali

Espandendosi in tutti e tre gli spazi, i pavimenti di ispirazione moresca arricchiscono ulteriormente gli interni caleidoscopici fornendo continuità.

Dotata di viste panoramiche sulla città e ricca di vegetazione lussureggiante, la terrazza sul tetto del ristorante è reinventata come una fuga esotica dove murales contemporanei colorati di fiori di grandi dimensioni riecheggiano i motivi floreali delle facciate di mattoni rossi e piastrelle dell’edificio, mentre i tralicci metallici ad arco e i gruppi scultorei di baldacchini a forma di disco costituiscono un ambiente gioviale in stile Alice nel paese delle meraviglie.

Come Alice nel Paese delle Meraviglie

Supermarket

I supermercati sono essenziali, soprattutto in questo periodo di pandemia ma musei e gallerie?

Non così tanto a quanto sembra. Proprio questa linea di ragionamento di blocco è stata il punto di partenza per la nuova installazione Supermarket del Design Museum, che vede il negozio di souvenir del museo londinese trasformarsi in una cornucopia di delizie essenziali.

Aperto dal 21 al 25 aprile, Supermarket alimenterà la creatività offrendo una gamma di generi alimentari in edizione limitata, mentre il museo stesso dovrà rimanere chiuso almeno fino al 17 maggio. L’installazione è stata finanziata da Bombay Sapphire e progettata dall’artista multidisciplinare Camille Walala, il cui lavoro recente include murales su larga scala a Leyton, Canary Wharf e White City. Il suo stile audace, ispirato a Memphis, rinvigorisce il negozio con tonalità luminose e forme grafiche, che fanno da sfondo gioioso a una gamma di prodotti disegnati da artisti.

“Charlotte Edey, Kentaro Okawara e Joey Yu sono tra i 10 artisti che hanno reinventato i nostri prodotti essenziali preferiti con un nuovo packaging: dal rotolo di carta igienica alla pasta al tè; dai fagioli al detersivo per piatti e al gin”.

Questi elementi essenziali in edizione limitata saranno disponibili a prezzi giornalieri (i rotoli di carta igienica di Michaela Yearwood-Dan costeranno solo 50 penny) e tutti i proventi andranno all’Emerging Artists Access Fund del Design Museum, un’iniziativa che garantisce ai giovani artisti e designer l’accesso gratuito al museo.

Dopo che il settore culturale del Regno Unito è stato afflitto da un anno di chiusure cicliche, Supermarket rappresenta una resa dei conti con il ruolo che la creatività gioca nelle nostre vite.

Si prega di notare che il negozio di High Street sarà aperto fino a domenica 25 aprile e

“Questa installazione è un’opportunità per pensare a ciò che compriamo, a chi ci guadagna e a ciò che consideriamo essenziale”, spiega Tim Marlow, direttore del Design Museum. “Non vediamo l’ora di accogliere i visitatori nel nostro museo.”

“Siamo estremamente grati a tutti coloro che hanno sostenuto il museo finora acquistando queste opere d’arte di tutti i giorni online e nell’installazione del negozio SUPERMARKET. Il negozio online ha ora temporaneamente esaurito gli articoli essenziali, ma a breve offriremo stampe in edizione limitata di gli artisti in modo che tu possa ancora goderti la loro creatività e supportare artisti e designer emergenti. Stiamo ancora rifornendo gli scaffali nel nostro SUPERMERCATO, ma le scorte sono estremamente limitate, quindi per garantire che il maggior numero di persone possibile possa godere dell’installazione, limitiamo gli acquisti a due articoli (sebbene tu possa acquistare tanta frutta fresca, verdura e pane come desidera!). Non vediamo l’ora di darvi il benvenuto. ” Josephine Chanter, Direttore del pubblico #CreativityIsEssential

Il supermercato è in mostra al Design Museum fino al 25 aprile, chiuso da lunedì 26 aprile fino alla riapertura del museo martedì 18 maggio..

per info: https://designmuseum.org/supermarket

Universal Sandwiches

Designers Dschwen

Progetto:Poster
Risultati: Fotografia, Concepting, Design

Concept:Riunire le persone insieme, con hamburger e design.

INTUIZIONE

“Mcdonald’s è universale. 35.000 sedi in 118 paesi, con più di 65 milioni di clienti al giorno. Eccellere su tale scala astronomica pone la sfida altrettanto considerevole di mantenere la coerenza del marchio, restare attraenti per i clienti che rappresentano praticamente ogni demografica immaginabile. Quando ci è stato chiesto di creare manifesti per le nuove sedi di Mcdonald’s a Dubai, abbiamo tratto l’ispirazione da uno dei nostri progetti che era diventato virale su scala globale nel 2013”.

IDEA

“Avvicinandoci al progetto, abbiamo abbracciato l’incredibile internazionalismo di Dubai come un’opportunità di design. La città di 2,5 milioni di persone è un importante centro internazionale, così abbiamo creato manifesti che trascendono la cultura e facciano pensare a casa, non importa dove si trova casa. Ispirati dal successo del nostro progetto #Pantonepairings, abbiamo suddiviso tre iconici panini Mcdonald’s in campioni di ingredienti. Un marchio universale merita un’attrattività universale”.

per informazioni su questo ed altri progetti:

http://www.dschwen.com/case-study/mcdonalds/

neo fruit

Meydan Levy laureato alla Bezalel Academy of Art and Design  ha sviluppato cinque frutti commestibili artificiali, che comprendono stampati pelle di cellulosa riempiti con un cocktail di vitamine e minerali.

Chiamati Neo Fruit, i falsi frutti di Levy hanno casse morbide che sono stampate in 3D da cellulosa traslucida – un composto organico che dà alle piante la loro struttura.

Queste pelli vengono poi iniettate con liquidi ricchi di sostanze nutritive di vari colori e sapori.

Levy descrive il processo come stampa 4D perché, a differenza della stampa 3D tradizionale, la forma finale del frutto cambia dopo che esce dalla stampante. Le bucce di cellulosa sono stampate in forma piatta e compressa, e assumono il loro aspetto di frutta finale solo una volta che il liquido viene aggiunto.

La forma finale del frutto è determinata da arterie o “microtubi” incorporati nelle strutture stampate in 3D, che si riempiono fino a dare il volume del frutto.

“Fino a quando la quarta dimensione è attivata, il frutto secco è piatto e leggero consentendo una lunga durata di conservazione, stoccaggio efficiente e facilità di trasporto. Aggiungere i liquidi e attivare la quarta dimensione dà vita al frutto perché da quel momento può essere mangiato. Il liquido diventa l’orologio biologico del frutto e gli dà una certa vita, il che significa che rimarrà al suo meglio per un tempo limitato ma pre-pianificato.”

Anche se sembrano provenire da un pianeta alieno, tutti i frutti sono commestibili.

Tuttavia, invece di imitare il sapore della frutta vera, ogni frutto Neo di Levy ha un sapore unico che si combina da una serie di ingredienti di base.

“Ho sviluppato un dispositivo che mi permette di estrarre oli, sapori e odori da quasi tutte le sostanze esistenti e mi permette di sperimentare con diverse e interessanti combinazioni di gusto e odore. Ho sviluppato le texture con l’aiuto di chef esperti in cucina molecolare e ricercato le materie prime commestibili disponibili per produrre il colore e la consistenza appropriata per ogni frutto.”

Uno dei frutti di Levy consiste in una serie di piccoli baccelli infilati insieme come molecole. Richiede che chi lo mangerà lo apra e raschi via il contenuto con i denti, come una foglia di carciofo. Un altro ricorda l’interno di un frutto della passione, ma diviso in tre segmenti e tenuto insieme da uno scheletro esterno ed interno.

“Questo frutto contiene nutrienti aggiuntivi che possono essere masticati e spremuti dall’osso; questo  per estendere l’esperienza alimentare “.

Levy ha osservato il modo in cui la vera frutta è in grado di offrire un’esperienza alimentare sensoriale comunicando informazioni essenziali. Il colore di un frutto non è solo un extra, ha suggerito. I pigmenti che rendono arancioni le carote, ad esempio, sono anche una fonte di vitamina A, che è fondamentale per il rafforzamento del sistema immunitario.

“La frutta è un prodotto intero in una confezione perfetta, contiene sia busta e contenuto in perfetto riferimento l’uno all’altro. La frutta interagisce con l’ambiente – cambiando colore e struttura per indicare la maturità. I composti che danno loro colore hanno anche valore nutrizionale e anche componenti di gusto.”

Transformative Appetite

I ricercatori del MIT hanno provato a relazionarsi con una rinnovata forma della pasta creando una tipologia di pasta bi-dimensionale che si trasforma in oggetto tri-dimensionale una volta cotto  in acqua.

La “pasta programmabile” ha una componente in gelatina mischiata con l’amido. La gelatina si espande naturalmente all’assorbimento dell’acqua, dando modo ai ricercatori di manipolare il cibo.

Come con  il prototipo Flat-Pack, il vantaggio principale sarebbe, a detta degli studiosi, quello di risparmiare sui costi di spedizione dei prodotti alimentari.

Avendo maccheroni di forma piatta invece  che cava, ad esempio, si potrebbe stipare, nella stessa busta,  una maggiore quantità di cibo, consentendo all’utente finale di mangiare comunque un  pasto tridimensionale.

 

“Abbiamo fatto alcuni calcoli semplici:  in una confezione di pasta come i maccheroni, si ha circa il 67 per cento del volume occupato da aria”, ha detto Wen Wang, uno degli scienziati della squadra di ricerca.

“Abbiamo pensato che forse in futuro la forma del nostro cibo potrebbe cambiare, e cambiando, potrebbe essere imballato in modo da risparmiare spazio.”

Il Tangible Media Group  fa parte del Media Lab del Massachusetts Institute of Technology (mit). Il Media Lab lavora all’incrocio tra tecnologia, Multimedia, Scienze, arte e design.

Wang ha condotto il progetto, intitolato Transformative Appetite (appetito trasformativo), insieme al collega Yao. Essi sono stati sostenuti nella ricerca  da Chin-Yi Cheng, Daniel Levine, Teng Zhang e Hiroshi Ishii, che dirige il gruppo di media tangibile.

I ricercatori sono in grado di controllare la forme che la pasta assumerà: possono creare un semplice arco di tipo maccheronico utilizzando due strati di gelatina – uno strato superiore più denso su uno strato inferiore più sottile.

Lo strato superiore assorbe più acqua, crescendo archi di curvatura differenti

Per forme più irregolari, il team 3D stampa sottili strisce di cellulosa commestibile in vari modelli sullo strato di gelatina. Queste strisce fungono da barriera all’assorbimento dell’acqua.

“In questo modo si può avere programmabilità”, ha detto Yao. “In ultima analisi, si può controllare il grado di flessione e la geometria totale della struttura.”

I ricercatori hanno detto che la pasta che hanno prodotto per l’appetito trasformativo “ha una grande consistenza e un buon sapore”. Hanno anche lavorato con uno chef in un ristorante di Boston per testare le versioni High-end della pasta aromatizzata con plancton e inchiostro di seppia.

Personalmente, trovo questo progetto molto interessante dal punto di vista del design e dell’idea di ottimizzazione degli spazi; da italiana (e con un po’di campanilismo) trovo l’idea di mescolare gelatina al tradizionale impasto di semola e acqua, una cosa non particolarmente appetibile.

uovodesign

Giro volentieri un articolo inviatomi da Simone Benvenuto

 

Un progetto di design organico
Le api e i derivati dell’alveare sono il punto di partenza per una riflessione sulle possibilità espressive che il “superorganismo” dello sciame può produrre.
Cera, propoli, miele sono materie utilizzate per creare un’intera collezione di oggetti. Sono stati elaborati sistemi per integrare l’operosità delle api nella realizzazione degli oggetti, o parte di essi, quali ad esempio ampolle di vetro destinate alla conservazione del miele chiuse e sigillate dalle api stesse. Un sigillo autentico, in perfetto equilibrio tra esigenze pratiche ed estetica poetica del lavoro di questi straordinari insetti.
Come in ogni progetto di design si sono tenuti in considerazione gli strumenti e le tecnologie produttive delle aziende apistiche, anche di quelle più piccole, per poter permettere loro la produzione diretta degli oggetti.
Con l’implementazione commerciale di alcuni oggetti derivanti da questa ricerca si è creata una collezione che chiama le aziende a partecipare ad un network di produzione, dando a questo progetto un’accezione di design strategico.

 

www.uovodesign.com

 

Oggetti in cera d’api  _  Bee wax objects

 

Kaffeeform

 

Kaffeeform è un innovativo materiale riciclato composto da fondi di caffè e materie prime rinnovabili.

Dopo cinque anni di sperimentazione e ricerca, è stata creata una formula unica per trasformare vecchi fondi di caffè in nuovi prodotti.

A dimostrare le sconfinate possibilità di questo nuovo materiale, i progettisti di Kaffeeform hanno realizzato un servizio da caffè interamente realizzato con fondi di caffè riciclato.

 I prodotti Kaffeeform hanno un numero di caratteristiche notevoli:

la superficie ha l’aspetto legno scuro ed è unica per ogni pezzo,

l’odore del caffè è conservata nei pezzi finiti

inoltre i prodotti sono leggeri, lavabili e durevoli.

Kaffeeform  tazzine realizzate con fondi di caffè riciclato

Il materiale stesso e la serie di tazze di caffè sono state esposte per la prima volta al Festival di caffè di Amsterdam.

La produzione iniziale conta circa 250 tazze Kaffeeform vendute esclusivamente presso lo

 

La quantità di consumo mondiale quotidiano caffè è in crescita, così il potenziale di riutilizzare i rifiuti per ulteriori usi è enorme.

Kaffeeform è un materiale sostenibile che mira a trarre vantaggio di questi materiali di scarto  prontamente disponibili a diventare un’alternativa al petrolchimico.

Chocolatexture by Nendo

Premiato come “Designer of the Year” a Maison&Objet 2015, Nendo ha creato 400 set di cioccolatini Chocolatexture, in vendita per un tempo limitato, che potranno essere degustati durante la fiera. I nove differenti tipi di cioccolato hanno la stessa dimensione, 26 x 26 x 26 mm, con estremità appuntite, interni vuoti, texture di superficie liscia o ruvida e, mentre le materie prime sono identiche, le texture creano gusti diversi.

Chocolatexture Lounge, circondato da un bosco di 2.000 tubi in alluminio di 8 millimetri di spessore, dipinti in gradazioni color cioccolato, creando la sensazione di un essere circondati da “una grande onda cioccolato fuso” è un luogo ibrido un po’ caffetteria, un po’ mostra,  un po’ installazione, un luogo per vivere il mondo Nendo in maniera multi-sensoriale.

Nendo, Chocolatexture: 1 –“tubu-tubu” praline di piccole gocce di cioccolato; 2 – “sube-sube” bordi e angoli arrotondati; 3 – “zara-zara” granulare; 4 – “toge-toge” punte affilate; 5 – “goro-goro” quattordici piccoli cubi collegati; 6 – “fuwa-fuwa” morbido e arioso, con molti piccoli fori; 7 – “poki-poki” una cornice fatta di bastoni di cioccolato; 8 – “suka-suka” un cubo vuoto con pareti sottili; 9 – “zaku-zaku” sottili lamelle di cioccolato alternate a formare un cubo

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Anatomia di una ricetta

Cibo  connette le persone, questa era la tesi che la giovane neo-laureata Leonie Anholt, voleva esplorare nel suo progetto di laurea.

Anatomia di una ricetta è una variante del gioco del domino.  Ogni piastrella rappresenta una ricetta. Il primo giocatore ad utilizzare tutte le sue piastrelle vince e decide, con il suo pezzo vincente, quale ricetta sarcucinata. ‘Anatomia di una ricetta è un gioco sociale, con l’intenzione di (ri) collegare le persone nella loro vita quotidiana.

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